Formas silenciosas—Silent shapes

By Miguel Quismondo

Dec. 15, 2018

La capital sureña del estado de Virginia, Richmond, acaba de dar la bienvenida a un nuevo espacio museístico: el Instituto de Arte Contemporáneo (ICA en sus siglas en inglés). Se trata de un edificio compuesto por varios bloques escultóricos de zinc y vidrio traslúcido diseñado por el estudio neoyorquino de Steven Holl para la Virginia Commonwealth University. A pesar de tener la capitalidad desde el siglo XVIII, Richmond es una ciudad de tamaño relativamente pequeño –el área metropolitana cuenta con una población de millón y medio de personas–, sin embargo tiene un impresionante museo de arte (Virginia Museum of Fine Arts). En ese sentido, el recién inaugurado ICA es el complemento perfecto al programa artístico de la ciudad, ya que se trata del primer espacio dedicado exclusivamente al arte contemporáneo.

El comitente del proyecto ha sido la Escuela de Bellas Artes de la citada universidad de Virginia –VCUarts–, una institución pública de reconocido prestigio, líder en Estados Unidos. Esta cuenta con un extenso campus donde se asienta el nuevo centro de exposiciones. Concebido como un museo de acceso gratuito, intentará crear una síntesis entre programas temporales –con la intención de explorar nuevas ideas– y proponer un centro de diálogo y colaboración a lo largo de la región, imitando el énfasis multidisciplinar del programa de estudios de la propia universidad.

El germen del ICA surgió de la galerista Beverly Reynolds, quien entendió que la Facultad de Bellas Artes, una de las mejores del país, adolecía de una institución de arte contemporáneo que apoyase a estudiantes y ayudase a la difusión de creadores jóvenes. Reynolds le propuso la idea a Richard Toscan, el entonces decano de la universidad, quien se entusiasmó con el proyecto. Seguidamente, se creó la Pollak Society, un grupo cuyo fin era buscar financiación y que llegó a alcanzar hasta 150 miembros, liderados por Meg Gottwald –coleccionista y experta en arte– y Alan Kirshner.

El proyecto se adjudicó finalmente al estudio de Steven Holl, que se impuso entre los 63 participantes en el concurso de ideas, por su virtuosa propuesta, en la que supo canalizar las inquietudes de la universidad. Un trabajo que ha llegado a buen puerto después de muchas vicisitudes; entre ellas, la inesperada muerte del arquitecto originalmente asignado al proyecto –el legendario Charles Gwathmey– y la jubilación de Richard Toscan, el decano impulsor de la iniciativa.

Steven Holl es probablemente el autor norteamericano más importante de las últimas dos décadas. Estudió arquitectura en los años setenta en Washington y completó sus estudios en la AA de Londres (la escuela de Arquitectura más antigua de todo Reino Unido). Poco después, en el año 1977, abrió su propio estudio en Nueva York. Ahí comenzó una trayectoria ascendente que le ha situado como uno de los arquitectos de referencia en el panorama internacional.

Su elección para diseñar el ICA es afortunada y lógica: cuenta en su haber con una veintena de espacios museísticos. Además, su capacidad para combinar la luz y el espacio, así como su sensibilidad hacia el entorno son virtudes esenciales de su arquitectura. Sin embargo, una de las características más personales del proceso del alarife americano es cómo utiliza un medio que le es parcialmente ajeno como es la acuarela. Hasta el punto de que resulta habitual descubrirle en una esquina del estudio garabateando bocetos en cuadernos que archiva meticulosamente. Esas ideas primigenias son más tarde trasladadas al ordenador y a maquetas de trabajo que retroalimentan el diseño.

El edificio concebido para albergar el museo de la Universidad de Virginia parte de una idea que el arquitecto utiliza como referencia creativa a través del término Forking Time, que podría traducirse como «bifurcar el tiempo». Esta expresión está directamente inspirada en el cuento El jardín de senderos que se bifurcan, que forma parte del libro Ficciones de Jorge Luis Borges. En este se relata una historia en la que todos los posibles finales ocurren a la vez. Pues bien, Steven Holl transforma este concepto en una referencia a la experiencia del movimiento a través del tiempo. La propia idea de bifurcar el tiempo ayuda a conceptualizar el proyecto, además de contribuir a generar un programa diverso que gira en torno a un vestíbulo ligeramente torcido sobre su eje vertical (como respuesta al movimiento en el plano horizontal).

Chris McVoy, socio de Steven Holl desde 1993 y director del equipo, se refiere a este recurso como un intento por «elegir un camino que lleva a descubrir algo nuevo y que, de pronto, abandonamos para dirigirnos en otra dirección». Este proceso se podría entender tanto en el soporte físico –el edificio– como en el teórico: el proyecto. Es una especie de viaje no lineal en el que los dibujos a mano influyen en los planos, y viceversa, estos influyen en las maquetas de volúmenes y en nuevos estudios conceptuales mediante nuevos bocetos y acuarelas.

Dicha bifurcación no solo se aprecia en el proceso, sino que se materializa también en el resultado final: las galerías se generan en tres niveles en torno a un espacio público y permiten distintas exhibiciones a la vez, para que los autores creen obras que se extiendan a través de ellas y los visitantes circulen indistintamente por una gran variedad de recorridos. De la misma manera que las distintas corrientes artísticas se superponen en el tiempo, hecho que indirectamente pone en cuestión la narrativa lineal de la historia del arte. La búsqueda de unos espacios que giran en torno a un epicentro se refleja ya en los primeros bocetos.

Holl consigue plantear una estructura centrípeta generada desde el vestíbulo, que se eleva majestuoso en una triple altura mientras la fachada de vidrio inunda de luz el espacio central. Una escalera curva acentúa el dinamismo del hall de entrada, del mismo modo que la verticalidad ayuda a elevar la vista y descubrir esa amalgama de espacios vinculados al torreón de acceso. El arquitecto describe esa verticalidad como «un plano presente», mientras que las galerías, jardines y el salón de actos representan poéticamente la bifurcación del tiempo.

El solar donde se ubica actualmente el ICA albergaba en el pasado un estacionamiento con un restaurante chino y dos gasolineras que lo flanqueaban. Además, era una barrera virtual que dividía a las comunidades de blancos y negros. El emplazamiento ofrecía, asimismo, un desafío adicional: era una puerta de entrada a la ciudad, pero tenía poca extensión en planta. Ahora, el edificio recién inaugurado se asienta en el cruce entre las calles Broad y Belvidere, una intersección con un tránsito de unos 60.000 coches al día. El equipo de arquitectos tomó conciencia pronto de su condición de esquina, razón por la cual elaboró una apuesta urbana arriesgada mediante una materialización casi escultórica del edificio: se propuso construir un torreón de entrada ligeramente rotado del que surgen distintos volúmenes, como si estos fueran arrastrados por una fuerza centrípeta desde el vestíbulo que los empuja hacia el exterior. De este modo, el lugar de acceso se convierte en un faro que atrae el interés del visitante, así como de los propios espacios intersticiales de otros volúmenes, que permiten la aparición de los jardines, la piscina reflectante e incluso la plaza de la entrada. En un esfuerzo por acentuar la versatilidad del espacio expositivo, el estudio propuso desdoblar las dos salas del programa original en cuatro espacios de menor tamaño, pero más flexibles –tres en proyección horizontal y un cuarto que acentúa la verticalidad–, que ofrecen la posibilidad de desarrollar actividades individuales o mixtas. El edificio actúa a la vez como bisagra entre el barrio residencial al norte de la calle Broad con el campus universitario que se desarrolla al oeste, como si esos volúmenes que sobrevuelan los jardines fueran unos brazos virtuales que se abrieran para recibir a todo aquel que se acerca al museo. Mientras, la galería que linda con la calle Broad, la más grande de todo el centro cultural, protege los jardines del tráfico rodado, al tiempo que abre un gran ventanal al exterior, como una sugerente invitación a quienes pasan por delante. El perímetro del edificio ocupa 3.800 metros cuadrados que incluyen el vestíbulo, salas expositivas, un pequeño café a pie de calle, oficinas en la planta alta, jardines con esculturas y un impresionante auditorio forrado con paneles de madera de cerezo con capacidad para 240 personas. Este último cuenta con un sistema de proyección con pantalla de 10 x 15 metros y un sistema acústico puntero que permiten un programa variado, desde conferencias a proyecciones de películas, representaciones o conciertos. El acceso al vestíbulo es muy permeable. Puede hacerse a través del jardín de la cafetería o bien desde la calle principal, duplicando los flujos del interior. Una vez dentro, el atrio de más de diez metros de altura se ha concebido como área de recepciones para eventos. Lo cierto es que el edificio está pensado en su interior como un lienzo silencioso que facilita el disfrute del arte, ofreciéndole el contenedor ideal para que que pinturas y esculturas hablen por sí mismos. Una serie de espacios flexibles, que albergan múltiples combinaciones, permite que unas estancias funcionen mientras que otras puedan estar cerradas, sin afectar por ello a la circulación. Las galerías poseen unas proporciones acertadas y están diseñadas para permitir la máxima flexibilidad: los detalles técnicos incluyen sistemas de raíles para colgar piezas desde el techo, discretos sistemas de electricidad, sonido o informáticos integrados en la estructura, ajenos a la vista del espectador. La idea del arquitecto como diseñador integral está presente en todos los detalles: los caños de agua que llenan la piscina de la entrada, las barandillas o el tirador de bronce de la puerta de acceso. Según el propio Steven Holl, «las salas de exposición son instrumentos para ser tocados por el artista». Se trata de unos espacios de bellas proporciones que permiten la posibilidad de utilizar la luz natural, combinada con los grandes

vanos en fachada con una delicada luz cenital. Finalmente, la luz artificial, diseñada en colaboración con L’Observatoire International, integra las luminarias con la arquitectura, de manera que se optimiza la iluminación de las piezas y permite que los volúmenes tengan una importante presencia urbana. De hecho, es al atardecer cuando el edificio se engalana, pues los paneles translúcidos empiezan a adquirir un tono dorado que hacen del contraste con la piel metálica una experiencia casi sublime. El autor del Instituto de Arte Contemporáneo de la Universidad de Virginia alude a la sección áurea como única constante que conecta todos sus proyectos. Sin embargo, es posible encontrar otros elementos recurrentes en sus edificios: el espacio vertical como encuentro entre espacios horizontales o la búsqueda de una cualidad de luz particular. Estos parámetros son capaces de crear un hilo conductor en su arquitectura, aunque cada proyecto conserva su personalidad. Es interesante ver cómo su concepción espacial está íntimamente ligada al movimiento a través de este lugar de encuentro y cómo dicho movimiento introduce la variable del tiempo. Tanto en el ICA como en otros trabajos recientes, ha apostado por el concepto del «Condensador Social», término acuñado originalmente por el arquitecto ruso Moisei Ginzburg en su proyecto de 1930 en Narkomfin (Moscú). Con ello alude a la capacidad de ciertos edificios de ofrecer espacio para la interacción social a la manera de lugares  úblicos que afecten positivamente a nuestro comportamiento. Fachadas abiertas y porosas invitan al viandante a entrar y participar del potencial creativo de esa interacción en un entorno inspirador. Algunos proyectos tienen la virtud de enriquecer y mejorar el entorno. Sin duda, la apuesta de Steven Holl es audaz y muy acertada. Cita a Winston Churchill: «Primero, damos forma a los edificios y después estos nos dan forma a nosotros», con afán de reclamar el poder de la arquitectura de cambiar nuestras vidas y la manera de ver y sentir las cosas. En definitiva, de hacer nuestra vida mejor. Uno de los grandes aciertos de este proyecto es la perfecta escala urbana del edificio y su sensibilidad con el entorno. Por un lado, los apropiados volúmenes generan un elemento reconocible desde múltiples perspectivas, que es capaz de responder al automóvil que pasa a toda velocidad, percibiendo los elegantes volúmenes maclados; y, por otro, la del viandante, que disfruta de los matices de las dos pieles que durante el día, y desde el exterior, se mezclan con maestría y contrastan con el entorno de edificios en ladrillo rojo. Si la brillante propuesta del arquitecto es generar interés e involucrar a la comunidad local, el ICA tiene el potencial de crear una identidad reconocible en Richmond. Una imagen de modernidad, progreso e integración.

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